Victor Rice, intervista e analisi di “Drink” (ita/eng)

La copertina di Drink, ultimo album di Victor Rice

Victor Rice è un artista di punta per la scena ska. La sua carriera, dal 2017, ha intrapreso una strada nuova e ha dato vita a due pietre miliari dello ska jazz, Smoke (2017) e Drink (2020).

Con Smoke Victor Rice ci aveva regalato un fine album strumentale, dolce e a tratti malinconico con uno ska-jazz che si fondeva con elementi legati alla musica brasiliana. Drink, uscito in questi mesi, è un ideale seguito del precedente lavoro. Gli ingredienti sono gli stessi, e così è per la qualità altissima del disco di Victor Rice, che si conferma essere uno degli artisti più importanti all’interno della scena ska mondiale. Canzoni dirette, brevi ed eleganti, con un livello tecnico inusuale, derivante da un’attitudine internazionale e da un lavoro di produzione meticoloso, come ci spiegherà proprio Victor Rice nell’intervista di seguito. Il rapporto tra i due album è evidente anche nella copertina e nei titoli, entrambi i titoli rappresentano infatti dei potenziali vizi, fumare e bere.

L’uscita di un album come Drink è di enorme portata, perché arricchisce il patrimonio della musica ska contemporanea, dandogli valore, facendoci vedere che ancora oggi escono delle cose bellissime, che lo ska non è solo nostalgia, infine che il legame tra lo ska e il jazz è vitale.

Drink è un album che cresce gradualmente e che raggiunge l’apice nelle sue ultime tracce.

Personalmente considero Victor Rice tra i primissimi artisti ska contemporanei, e sono davvero felice di aver potuto analizzare Drink parlando direttamente con lui. L’auspicio è di poterci ritrovare presto nei luoghi in cui lo ska esprime la sua bellezza al cento per cento: nei concerti, sotto i palchi, nei locali e nei festival.

Prima di cominciare con l’intervista: come stai? Questo non è un periodo facile per i musicisti. Saresti dovuto essere in Italia a marzo insieme ai nostri amici della North East Ska Jazz Orchestra. Ritieni che il mondo della musica avrà la forza di ricominciare?

Sto bene e spero sia lo stesso per te. Sono fortunato perché avrei lavorato solo comunque e il mio studio è vicino a casa. Ovviamente è frustrante dover annullare i tour e non vedo l’ora di tornare sulla strada, ma sono almeno sicuro di poter continuare a lavorare senza essere esposto al rischio. In Brasile sono tutti molto preoccupati. Lo stesso è negli Stati Uniti, in cui la maggior parte delle persone non ascolta il proprio presidente, il che è positivo. Penso che il mondo della musica tornerà con forza, molte persone si rendono conto di quanto sia stato bello poter muoversi liberamente prima della pandemia, godersi la società. Internet è diventato così importante in questo momento, ma penso anche che saremo felici di poterlo spegnere appena potremo tornare a comportarci da “animali sociali”. Allo stesso tempo, penso che vedremo più collaborazione online in futuro, perché abbiamo acquisito consapevolezza del potere della tecnologia.

Nel 2017 uscisti con l’album Smoke, da noi definito come “album dell’anno” all’interno della classifica sui migliori dischi del 2017. Fu per me una scoperta incredibile, ancora oggi rimango estasiato nell’ascolto di quel lavoro. Drink mi sembra il naturale prosieguo di Smoke. Allo stesso tempo, credo sia corretto affermare che entrambi gli album hanno rappresentato per te l’inizio di un nuovo corso da un punto di vista musicale. È corretto? Se sì, da dove nasce questo nuovo corso?

Prima di tutto, grazie per la tua opinione così positiva di Smoke. È stato un disco molto importante per me, perché è stato il mio ritorno alla musica originale dopo 15 anni. In un certo senso, mi sembra il mio primo disco perché ho imparato così tanto da quando ho pubblicato in America nel 2003. Ho vissuto un forte mutamento come produttore, sono davvero contento del suono di Smoke. Drink è sicuramente una continuazione di questa fase.

Durante questi 15 anni, ho lavorato con centinaia di musicisti in tutto il mondo. Ho costruito il mio studio e perfezionato i miei metodi. Inoltre, sono stato esposto alla musica brasiliana che è molto sofisticata. Tutto ciò ha prodotto una grande differenza nel mio suono. Un miglioramento, secondo me.

A cosa si riferisce il titolo? Ci sono delle allusioni personali?

Ho scelto Drink come titolo perché penso che la maggior parte di queste canzoni siano state influenzate direttamente dal vino rosso. Gran parte delle canzoni sono state scritte nel 2018, quando stavo attraversando un momento difficile, personalmente. Quindi ho bevuto molto – vodka, birra e vino rosso. Ho trovato il vino rosso – cabernet – per essere più creativo. Lo faccio ancora. E la mia musa sembra sempre visitarmi quando ho più bisogno di lei, in tempi di disperazione. Poi è arrivato il momento di mettere insieme le canzoni in una sequenza, ed è stata una notte particolare – ho cominciato eccitato, ci sono stati momenti maniacali, riflessivi, di rimorso, un po’ di ottimismo, sembrava che ci fosse una storia che ha sviluppato l’ordine delle canzoni.

C’è qualcosa di speciale nei tuoi ultimi dischi per le emozioni che riesci a trasmettere. Serenità, pace e un po’ di confortevole malinconia. Come si fa a ottenere un risultato di questo livello? Hai composto e scritto tu tutte le canzoni di Drink?

Apprezzo questa osservazione! Sono decisamente affascinato dalle canzoni che possono trasmettere queste emozioni, specialmente quelle strumentali, perché è molto più facile trasmettere il sentimento con i testi. Ho studiato musica per tutta la vita, in particolare la musica strumentale. Ho imparato tanto da Bach su come creare emozioni, emozioni complesse.

E sì, questa volta ho scritto e arrangiato tutte le canzoni. Ci sono due “cover” su Smoke – entrambe di compositori belgi – ma su Drink, le canzoni sono tutte mie.

Una foto di Victor Rice

Chi sono i componenti della tua band? La qualità è molto alta e mi chiedo come si fa a dare vita a un gruppo così affiatato.

Sia Smoke che Drink sono nati in Belgio, nello studio di Nico Leonard. Non solo un grande amico, ma un produttore e batterista di livello mondiale, il suo studio è completamente analogico e lo spazio di registrazione perfetto. Entrambi abbiamo studiato al conservatorio, pensiamo e lavoriamo allo stesso modo. Quindi, quasi tutte le tracce di base sono state registrate con Nico e i suoi musicisti. Un’eccezione è Buford O’ Sullivan al trombone, l’ho fatto venire direttamente da New York per suonare nel disco. Lui e io abbiamo una lunga storia insieme e capisce la mia musica meglio di tutti. Ho anche chiamato Tommy Tornado dai Paesi Bassi, è uno dei più bravi con il sax tenore, solista molto avanzato. Il suo segreto è che lo fa sembrare facile.

E non è finita qui. Ho anche avuto una sessione di registrazione a Brooklyn, nello studio di Ticklah, a New York. Anche lui e io abbiamo una lunga storia e c’erano due canzoni che volevo fare lì – Simão e Madrid. Abbiamo assunto Teddy Kumpel per suonare la chitarra e Tony Mason per suonare la batteria. Sono entrambi “mostri” nella scena di New York e sapevo che avrebbero fatto un gran lavoro. Sessione molto semplice!

Successivamente, sono tornato a San Paolo per mixare le canzoni. Avevo ancora bisogno di aiuto per ottenere alcune delle canzoni esattamente come le volevo, quindi ho chiamato alcuni amici brasiliani: Gustavo Ruiz (chitarra), Lígia Kamada (percussioni), Agenor de Lorenzi (pianoforte), Marcelo Freitas (sax tenore) e Paulo de Viveiro (tromba). Musicisti di grande talento, tutti, e hanno condotto gli arrangiamenti all’obiettivo finale. Sono felice di sentire che sembra un gruppo affiatato! La realtà è che si tratta di una produzione molto internazionale.

Da dove nasce la combinazione di samba e rocksteady che caratterizza i tuoi ultimi lavori? Coincidenza vuole che un altro dei miei album preferiti dell’ultimo periodo sia l’omonimo di Claude Fontaine, anch’esso ricco di influenze brasiliane, per quanto differenti dalle tue.

Questa combinazione è qualcosa che ho sognato da solo. Stavo ascoltando alcuni dischi brasiliani Samba-Rock degli anni ’60 e ho pensato, “Questo mi ricorda il rocksteady giamaicano” – non esattamente il ritmo, ma il suono delle produzioni. Quindi ho iniziato una lunga strada per realizzare un ritmo che sarebbe stato accettato sia dai giamaicani che dai brasiliani … Non credo che la combinazione sia davvero possibile, ma ogni esperimento ha prodotto un ritmo interessante, qualcosa su cui posso lavorare. Così è iniziata la mia ricerca del “Santo Graal di ritmi”, il Samba-Rocksteady.

Una cosa che ho notato nei tuoi album, e che si distacca da altri lavori della scena ska-jazz, è la brevità dei dischi e delle canzoni. Drink dura addirittura 28 minuti e 57 secondi, con una durata media per canzone di tre minuti scarsi. Insomma si tratta di un album un po’ “punk”.

Sono contento di questa tua riflessione. Ci sono due motivi per cui le mie canzoni (e i dischi) sono brevi. Uno è che penso che tre minuti siano abbastanza lunghi per far passare il messaggio (e penso che i punk saranno d’accordo su questo). Ovviamente ci sono eccezioni, pensiamo ai Massive Attack o ai Dreadzone, che adoro. Ma per la maggior parte, penso che le canzoni dovrebbero dire la loro in tre minuti. Il motivo per cui i dischi sono brevi è quello di ottenere il miglior suono dal vinile. Se la registrazione è lunga quaranta minuti, ad esempio, la fabbrica deve tagliare scanalature strette per adattarsi a tutto il “record”. Più a lungo scorre l’LP, più “piccolo” diventa il suono. Voglio garantire un suono eccezionale. Quindi i miei dischi sono più vicini ai trenta minuti e i groove sono grassi, rumorosi e pieni di bassi. Qualità prima della quantità!

Victor Rice in ambito dub

Vorrei concludere l’intervista con alcune domande riguardanti il ​​tuo rapporto con lo ska e con la musica in generale. Dal tuo punto di vista, come si è evoluto il pubblico dello ska dalla terza ondata ad oggi?

La mia relazione con la musica ska è semplice: se riesci a ballare lo ska, è ska. La maggior parte della musica che si chiama ska è troppo veloce per la danza originale, la parola è diventata uno strumento di marketing – il che è divertente perché ska non vende! Ora, la scena ska è qualcosa che posso rispettare, perché è (per la maggior parte) una sottocultura molto inclusiva. Supera la moda, supera l’anglophilia, la maggior parte delle persone legata allo ska è aperta a una varietà di stili di vita. Adoro i concerti ska, perché le persone sono aperte a cose nuove. Definisco le “Ska Waves” così: 1st Wave, giamaicano. 2nd Wave, inglese. 3a onda, globale.

Il problema con la terza ondata è venuto dagli Stati Uniti, hanno cercato di commercializzarlo e, secondo la mia modesta opinione, non doveva essere così.

Quale è, dal tuo punto di vista, il periodo più bello della musica giamaicana?

Il periodo rocksteady del 1965. Lo adoro. Credo abbia dato vita alle canzoni migliori.

Infine, ti diverti di più come produttore dub o come musicista ska?

Un’altra bella domanda. Come produttore dub, mi sento soddisfatto da entrambe le parti – come ingegnere e come musicista. Soprattutto sul palco, perché c’è l’elemento dell’improvvisazione.

Come tecnici dub dobbiamo “suonare il mixer” come se fosse uno strumento. E allo stesso tempo, siamo maestri, in controllo degli accordi.

Come bassista e capofila, beh, questo è un altro livello di musicalità. Possiamo rispondere al pubblico, possiamo estendere una canzone se tutti la ballano. Possiamo abbreviare una canzone se nessuno la sente.

C’è più interazione come capofila. In entrambi i casi, il palcoscenico è un luogo per imparare ciò che il pubblico apprezza di più. Lo studio è un luogo di controllo, il palcoscenico è un luogo di evoluzione!

Victor Rice interview: english version

Before starting with the interview: how are you? This is not an easy time for musicians. You were supposed to be in Italy in March with our friends from the North East Ska Jazz Orchestra. Do you think that the world of music will have the strength to start again?

I am doing well and hope you are too. I’m one of the lucky ones, because I basically work alone anyway, and my studio is close to home. Of course it’s frustrating to have to cancel tours and I can’t wait to get back on the road – but I’m very fortunate to be able to continue to work and not be exposed to the risk. Most people in Brasil are taking it very seriously. It’s the same as in the US, most people are not listening to their president, which is a good thing.

I think the world of music will come back with strength, a lot of people realise how good it was to be able to move freely before the pandemic, enjoy society. The internet has become so important right now for everyone, but I also think that we will all be happy to be able to turn it off when we can and go back to being social animals. At the same time, I think we will see more online collaboration in the future, because it’s showing everyone new possibilities right now.

In 2017 you came out with the album Smoke, defined by us as “album of the year” within the ranking on the best records of 2017. It was an incredible discovery for me, even today I remain ecstatic in listening to that work. Drink seems to me the natural continuation of Smoke. At the same time, I believe it is correct to say that both albums represented for you the beginning of a new course from a musical point of view. It’s correct? If so, where does this new course come from?

First of all, thank you for rating Smoke so highly! It was a very important record for me, because it was my return to original music after 15 years. In some ways, it feels like my first record because I learned so much since releasing In America in 2003. There has been a lot of evolution as an engineer, I’m really happy with the sound of Smoke. And Drink is definitely a continuation of this phase.

During those 15 years, I worked with hundreds of musicians all over the world. I built my own studio and refined my methods. Also, I have been exposed to Brasilian music which is very sophisticated. All of this has made a big difference in my sound – an improvement, in my opinion.

What does the title refer to? Are there any personal allusions?

Drink was chosen as a title because I think the majority of these songs were influenced directly by red wine. Most of the songs were written in 2018, when I was going through a difficult time, personally. So I drank a lot – vodka, beer and red wine. I found red wine – cabernet – to be the most creative. I still do. And my muse always seems to visit me when I most need her, in times of desperation. Then, when it was time to put the songs together in a sequence, it sounded to me like a night out of drinking – starting out excited, getting manic, then more thoughtful, then remorseful, then finally kind of optimistic, there seemed to be a story developing with the song order.

There is something special in your latest records for the emotions you can convey. Serenity, peace and a little comfortable melancholy. How do you get a result of this level? Have you composed and written all the songs of Drink?

I appreciate that observation! I definitely am charmed by songs that can transmit these emotions, especially instrumentals, because it’s so much easier to get the sentiment across with lyrics. I have studied music all my life, especially instrumental music. I learned the most from Bach how to create emotions, complex ones. 

And yes, this time I wrote and arranged all of the songs. There are two “covers” on Smoke – both from Belgian composers – but on Drink, the songs are all mine.

Who are your band members? The quality is very high and I wonder how you can create such a close-knit group.

Both Smoke and Drink were started in Belgium, at Nico Leonard’s studio. He’s not just a great friend, he’s a world-class producer and drummer and his all-analogue studio is the perfect recording space. We both studied in conservatory, we think alike and work the same way because of that. So, almost all of the basic tracks were recorded with Nico and his musicians. One exception is Buford O’Sullivan on the trombone, I flew him over from NYC to play on the record. He and I have a long history together and he understand my music better than almost anyone. I also called Tommy Tornado from the Netherlands, he’s one of my favourite Tenor Sax players, very advanced soloist. His secret is that he makes it sound easy.

And it didn’t end there. I also had a recording session in Brooklyn, NY at Ticklah’s studio. He and I also have a long history (he helped me make In America) and there were two songs I wanted to do there – Simão and Madrid. We hired Teddy Kumpel to play guitar and Tony Mason to play drums. They are both monsters in the NY scene and I knew they would deliver. Very easy session!

After that, I returned to São Paulo to mix the songs. I still needed some help to get some of the songs exactly where I wanted them – so I called on some Brasilian friends: Gustavo Ruiz (Guitar), Lígia Kamada (Percussion), Agenor de Lorenzi (Piano), Marcelo Freitas (Tenor Sax) and Paulo de Viveiro (Trumpet). Very talented musicians, all of them – and they brought the arrangements to the final destination. I’m happy to hear it sounds like a close-knit group! The reality is that it’s a very international production.

Where does the combination of samba and rocksteady that characterizes your latest works come from? Coincidentally, another of my favorite albums of the last period is the homonym of Claude Fontaine, also rich in Brazilian influences, although different from yours.

This combination is something I dreamed up by myself. I was listening to some Brasilian Samba-Rock records from the ‘60s and I thought, “This reminds me of Jamaican Rocksteady” – not the beat, exactly, but the sound of the productions. So then I started down a long road to realising a beat that would be accepted by both Jamaicans and Brasilians… I don’t think the combination is truly possible, but every experiment has resulted in an interesting beat, something I can work with. So began my quest for the “Holy Grail of beats”, the Samba-Rocksteady.

One thing that I noticed in your albums, and that stands out from other works of the ska-jazz scene, is the brevity of the records and the songs. Drink even lasts 28 minutes and 57 seconds, with an average length of three minutes per song. In short, this is a somewhat “punk” album.

I’m glad you mentioned that. There are two reasons my songs (and the records) are short. One is that I think three minutes is long enough to get the point across (and I think punks will agree on that). Obviously there are exceptions, like Massive Attack and dreadzone which I love. But for the most part, I think songs should make their “argument” in three minutes. The reason the records are short is to get the best sound from the vinyl. If the record is forty minutes long, for example, the factory needs to cut narrow grooves to fit all of it on the record. The longer the LP runs, the “smaller” the sound gets. I want to guarantee a big sound. So my records are closer to thirty minutes and the grooves are fat, loud and full of bass. Quality before quantity!

I would like to end the interview with a few questions regarding your relationship with ska and music in general. From your point of view, how has the audience of ska evolved from third wave to today?

My relationship with ska music is simple: if you can dance the ska to it, it’s ska. Most music that’s called ska is too fast for the original dance, the word has become a marketing tool – which is hilarious because Ska doesn’t sell! Now, the ska scene is something I can respect, because it is (for the most part) a very inclusive subculture. Get past the fashion, get past the “Anglophilia”, most ska folks are open to a variety of lifestyles. I love ska shows, because people are open to new things. I define the “Ska Waves” as such: 1st Wave, Jamaican. 2nd Wave, English. 3rd Wave, Global. 

The problem with the 3rd Wave came from the US, they tried to commercialise it, and it wasn’t supposed to be that way, in my humble opinion.

What were the golden years of jamaican music for you?

1965, The Rocksteady period. I love it. It gave birth to the best songs, I think.

Finally, being a dub producer, do you have more fun as a producer or musician?

Another great question. As a Dub producer, I feel I get satisfaction from both sides – as an engineer and as a musician. Especially onstage, because there is the element of improvisation. 

As Dub engineers we must “play the mixer” as if it were an instrument. And at the same time, we are maestros, in control of the arrangements. 

As a bassist and bandleader, well, that’s a whole other level of musicianship. We can respond to the audience, we can extend a song if everyone is dancing to it. We can cut a song short if no one is feeling it. 

There’s more interaction as a bandleader. In both cases, the stage is a place to learn what the public enjoys most. The studio is a place of control, the stage is a place of evolution!

 

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